Von Liam Heitmann-Ryce-LeMercier

Wenn Autorin und Regisseurin Céline Sciamma auf die Entstehung von Tomboy im Jahr 2010 zurückblickt, beschreibt sie eine Welt, die deutlich anders aussah und sich auch so anfühlte als die heutige. Der Film spielt in den Pariser Vororten – wenn auch in einer fiktiven, bewusst unbestimmten Landschaft aus Wohnblocks und Waldstücken – und entstand zu einem Zeitpunkt, als sich das Kino kaum mit Fragen der Geschlechtsidentität auseinandersetzte.

Für Sciamma waren konkrete Details jedoch nie der entscheidende Punkt. „Nicht alle kennen das Meer, nicht alle kennen die Berge“, sagt sie mit Blick auf Kinder aus sozial schwächeren Verhältnissen. „Aber alle kennen den Wald.“ Der Schauplatz wurde daher wie eine Art Fabel gewählt: demokratisch und im Grunde zeitlos, ein Ort, an dem ein Kind sich frei selbst entdecken kann.

Auch die Produktion selbst war ein Akt der Befreiung. Tomboy wurde innerhalb weniger Wochen geschrieben und zwei Monate später in nur zwanzig Tagen gedreht – mit einer Crew von vierzehn Personen und der damals neuen Canon 7D-Kamera, einem der ersten narrativen Filme, der dieses erschwingliche Filmemacher-Werkzeug nutzte.

Für Sciamma war der kleine Maßstab keine Einschränkung, sondern eine dynamische Herausforderung für die üblichen Produktionsweisen des Kinos. „Dass der Film bei seiner Veröffentlichung mit einem so bescheidenen Budget eine solche Wirkung hatte, war für mich sehr befreiend“, sagt sie heute. „Es ist tatsächlich immer noch etwas, das mich inspiriert, während ich versuche, weiterhin Filme zu machen. Der Film, der mich am meisten darin bestärkt, an diese Art des Filmemachens zu glauben, ist immer noch Tomboy.“

Sciamma ist jedoch vorsichtig, wenn es darum geht, die Etiketten zu akzeptieren, die solche ersten Erfolge oft begleiten. „Ich fühle mich mit dieser Vorstellung des Pioniertums nicht wohl“, sagt sie über ihren Einfluss auf genderfluide Erzählungen im Film, „weil es so wirkt, als würden wir immer wieder ganz von vorne anfangen.“ Lieber verortet sie sich in einer längeren Kontinuität queerer Repräsentation und erkennt an, dass das Kino „den Figuren, die unsere Erfahrungen widerspiegeln, nicht sehr großzügig begegnet ist“.

Geschichten wie Tomboy waren zu Beginn der 2010er-Jahre daher selten. Mehr als fünfzehn Jahre später haben sich Sciammas eigene politische Haltung und ihr Bewusstsein weiterentwickelt – nicht zuletzt, weil Tomboy bei trans Kindern weiterhin so stark nachhallt. „Die Tatsache, dass der Film mit uns wachsen kann und fünfzehn Jahre später noch inklusiver gelesen werden kann“, sagt sie, „ist für mich sehr wichtig.“

Als Tomboy 2011 bei der Berlinale als Eröffnungsfilm der Panorama-Sektion gezeigt wurde, war die Resonanz unmittelbar. „Sie haben einen weiteren Saal geöffnet, weil so viele Menschen gekommen sind“, erinnert sich Sciamma mit Wärme. Kurz nach diesen ersten Vorführungen begann der Film, an internationale Verleiher verkauft zu werden.

Darüber hinaus gewann Tomboy 2012 den TEDDY Jury Award – und damit kam etwas, das Sciamma nicht erwartet hatte: eine weltweite Community. Während sie mit dem Film reiste und queere Verleiher:innen in ganz Europa traf, entdeckte die Regisseurin ein Netzwerk, das ihre künstlerische Praxis bis heute trägt.

Sciamma misst dem, wofür der TEDDY steht, auch außerhalb seiner Funktion als bloßer Filmpreis besondere Bedeutung bei und betont vor allem seine Rolle als fortlaufendes Archiv. Tatsächlich gehört das Filmarchiv des TEDDY AWARD zu den ältesten kontinuierlichen Sammlungen queerer Filmwerke.

„Es hat nur ein paar Wochen gedauert, bis die Trump-Administration versucht hat, sogar unsere Indexierung [von ‚LGBTQ‘-Suchbegriffen] abzuschaffen“, sagt sie. „Das TEDDY-Archiv ist ein sehr wichtiges – und eines, zu dem ich mich gerne zugehörig fühle.“

In den Jahren danach ist Sciammas Bekanntheit erheblich gewachsen; sie wurde mehrfach für BAFTA-, Golden-Globe- und César-Preise nominiert. Doch mit größerer Anerkennung kam auch mehr Macht – und die bewusste Entscheidung, diese Macht zu hinterfragen.

„Wenn man Macht hat, muss man innehalten“, sagt sie, „und sich fragen, was man damit anfangen will.“ Anstatt größere Budgets und eine größere Reichweite anzustreben, hat Sciamma die vergangenen vier Jahre damit verbracht, an Filmschulen in ganz Europa zu unterrichten und eng mit jungen Filmemacher:innen zu arbeiten. „Manchmal ist das Revolutionärste, was man tun kann, stehen zu bleiben“, betont sie.

Was Sciamma an der neuen Generation beobachtet, überrascht sie. Während Filmemacher:innen ihrer Generation befürchteten, ihre Arbeiten würden niemals realisiert werden, haben junge Kreative heute eine andere Sorge: dass eine Branche ihre Vision verwässern oder kompromittieren könnte. „Die neue Generation hat Angst, dass diese Industrie ihren Ideen schaden wird“, erklärt sie.

Ihr Rat lautet daher, die eigene Arbeit zunächst im Schreibprozess zu schützen: eine intellektuelle Gemeinschaft zu finden, bevor ein Drehbuch Geldgebern gezeigt wird, und dem Druck von Branchen-Labs und Entwicklungsprogrammen zu widerstehen, die die Botschaft eines Films nachteilig verändern können.

Sie fasst es in eine still radikale Anweisung zusammen: „Du musst dir zuerst selbst grünes Licht geben. Gib deine Ideen nicht zu früh in die Hände der Menschen, die dir das grüne Licht geben sollen, denn manchmal besteht der Preis dafür, etwas möglich zu machen, darin, dass es auf eine Weise geschieht, die zerstörerisch sein kann. Es ist sehr schwer, innerhalb einer Industrie einen anderen Weg zu denken“, schließt sie, „besonders wenn man sich für Sanftheit entscheidet – und das sollten wir. Wir sind sanft, weißt du; das ist es, was wir sind.“